EL RENACIMIENTO

Antecedentes

Significa volver a nacer.

Los Turcos Otomanos invaden el Imperio Romano de oriente, Constantinopla.

Movimiento artístico que comprende los siglos XIV al XVI.

Surge en Europa occidental principalmente Italia.

El descubrimiento de la imprenta contribuye a la difusión del conocimiento.

Retoma los principios de la antigüedad clásica.

Marco el paso del mundo medieval al mundo moderno.

Características

Es un movimiento universal que adopta las características y modos propios del pasado de las naciones a través de un proceso de asimilación. Se extiende desde Italia hacia otras naciones ya que los italianos estaban sorprendidos de la extraordinaria cultura que los precedía y querían recuperarla o por lo menos mantener latente algo de ella. Toda su arte recobra las influencias grecorromanas; no se  renuncia a la tradición cristiana pero se sustituye su omnipotencia  por el aumento y afirmación de los valores del mundo y del ser humano. A esto se lo denominó humanismo ya que toda la temática del arte va centrada en la figura del hombre. Es un paso del teocentrismo medieval al antropocentrismo renacentista. (Enfoque en el ser humano y no en Dios).

 

La libertad de pensamiento comienza a aflorar ya que surge la ciencia, la geografía es ampliada lo que contribuye mas tarde al descubrimiento de América. De esta manera se abandonan los dogmas que abundaban en la sociedad medieval y se plantea una nueva forma de ver el mundo, también plasmada en la nueva educación que incluso recoge los modelos clásicos y filosóficos de la antigüedad.

Periodos

  En Italia hay dos etapas principales (adaptación de los elementos clásicos, mezcla de elementos)

·         Siglo XV. Quattrocento o Primer Renacimiento.

-      Centro: Florencia.

Periodo de planteamiento de problemas. La arquitectura abandona la verticalidad gótica; la escultura se independiza y busca un canon de belleza humana; en pintura se logra el dominio del espacio y del volumen.

·         Siglo XVI:

-      Primera mitad: Cinquecento o Alto Renacimiento.

Centro: Roma, pleno dominio de las formas ajustadas a cánones de belleza ideal.

-      Segunda mitad: Manierismo o Renacimiento tardío.

Se cuestiona el concepto de belleza clásico, se busca la representación subjetiva de la realidad.

Se produce una crisis generalizada representada por la consolidación de las monarquías absolutas, el avance de la reforma protestante, etc.

                                                                   Arquitectura

Del análisis de los monumentos antiguos y de las fuentes literarias y filosóficas, se desprende la importancia de las proporciones, del número, de la medida, como fundamento de la belleza arquitectónica. La proporcionalidad matemática del conjunto arquitectónico (planta, alzado, columnas, capiteles, entablamentos y cornisas), convierte los edificios del renacimiento en construcciones racionalmente comprensibles, cuya estructura interna se caracteriza por la claridad. Se emplea el repertorio de los órdenes clásicos. La columna es esencial dado que el estudio de sus proporciones es uno de los fundamentos del clasicismo, y sirve como pauta para determinar toda la proporción del edificio. Se utilizan todos los órdenes romanos, enriquecido el corintio, que es el más utilizado.

Filippo Brunelleschi

Fue el arquitecto italiano más famoso del siglo XV. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva. Pero en su época, su fama estuvo asociada, sobre todo, a la cúpula de la catedral de su ciudad natal, Florencia, ya que sus conocimientos de ingeniería le permitieron solventar los problemas, en apariencia insolubles, de la construcción de dicha cúpula, por lo que sus conciudadanos lo reverenciaron. De hecho, en la actualidad la cúpula continúa siendo su obra más admirada. Su arquitectura elegante y moderadamente ornamental queda compendiada a la perfección en dos espléndidas creaciones: la capilla Pazzi y la Sacristía Vieja de San Lorenzo. Son dos obras de planta central, basadas en la armonía visual y en la alternancia, característica del artista, entre arenisca gris y estuco blanco. Pese a la importancia de su figura, la influencia de Brunelleschi en las generaciones posteriores fue muy limitada.

Donato Bramante

Donato Bramante nace en 1444 en la actual localidad de Fermignano, enclave cercano a Urbino, ciudad donde se habría formado en el taller del arquitecto Luciano Laurana. Sin embargo, inicialmente, su aprendizaje podría haber tenido lugar dentro del ámbito del dibujo y la pintura (tal y como aseguran tratadistas de la talla de Vasari y Serlio), adjudicándosele incluso la autoría de los frescos de la fachada del Palacio del Podestà en Bérgamo (así como algunas otras obras correspondientes con su etapa milanesa).

A finales del siglo XV se le puede encontrar en Milán (al servicio de Ludovico Sforza, el cual actuará como mecenas de Bramante durante el tiempo que permanezca en la Lombardía), donde llevará a cabo proyectos arquitectónicos como la iglesia de Santa María presso San Sátiro y Santa María della Grazie, en las cuales queda patente su interés, ya desde comienzos de su trayectoria, por el espacio y la perspectiva, además de que constituyen buena muestra de la elegancia y la energía que sus edificaciones destilarán.

A pesar de que, como ya se ha apuntado con anterioridad, la obra más importante que se le encargará llevar a cabo en Roma va a ser el proyecto de la basílica de San Pedro, existen dos edificaciones previas romanas por él creadas que supondrán un ejemplo de evolución en esa línea comenzada en Milán y punto de partida del denominado estilo romano del Renacimiento (particularmente en el segundo caso): el claustro para la iglesia de Santa María de la Paz (1500) y el maravilloso templete de San Pietro in Montorio (1502).

Baldassarre Peruzzi

Arquitecto y pintor italiano de la escuela romana. Nació en Ancajano, en la diócesis de Volterra, y pasó sus primeros años en Siena, donde su padre residía. Se formó en Siena con Pinturicchio y más tarde con Rafael.
Muy joven Peruzzi viajó a Roma, allí estudió arquitectura y pintura, en su primera etapa fue seguidor de Perugino. Los frescos del coro de Sant Onofrio, en la colina del Janículo, generalmente se atribuían a Pinturicchio, pero son de Peruzzi.
Una de las primeras obras que le dieron fama al joven arquitecto fue la construcción de una villa en las orillas del Tíber en Roma, entre 1508 a 1511, ahora se conoce como la Farnesina, construida originalmente para el sienés Agostino Chigi, un rico e influyente banquero de la época. Esta villa, como todas las obras de Peruzzi, destaca por su diseño elegante y la delicadeza de sus detalles. Villa Farnesina es más conocida por los frescos pintados por Rafael y sus discípulos para ilustrar las historias de Psiquis y Galatea. Una de los Loggie tiene frescos pintados de la propia mano de Peruzzi "la historia de Medusa". En esa etapa debió conocer y congeniar con Rafael Sanzio.
Peruzzi colaboró con Rafael en la iglesia de Santa Maria della Pace de Roma. Debido a su éxito Baldassarre Peruzzi fue designado por El Papa León X arquitecto de San Pedro en 1520, con un sueldo de 250 escudos; su diseño para su realización no fue, sin embargo, el que se llevó a cabo.

  Durante el saqueo de Roma en 1527 Peruzzi apenas logró escapar con vida, con la condición de pintar un retrato del Condestable de Borbón, que había sido muerto durante el asedio. Huyó de Roma, refugiándose en Siena, donde fue nombrado arquitecto de la ciudad, y diseño las fortificaciones para su defensa, una gran parte de los cuales todavía existen. Poco después regresó a Roma, donde hizo los diseños para un palacio para la familia Orsini, y construyeron los palacios y Massimi Vidoni, así como otros en el sur de Italia.
Baldassarre Peruzzi, murió en Roma el 6 de Junio de 1536, y fue enterrado al lado de Rafael en el Panteón.

 Pintura

La pintura renacentista está plena de religiosidad, sin embargo, cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia. Durante el renacimiento surgen diversas escuelas, estas adquieren el nombre de la ciudad donde se desarrollan, entre estas se citan: la Escuela Florentina, la Veneciana, la de Siena, la de Umbría, la de Parma, la de Verona, la de Padua, la de Milán y la de Carrara.

 CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA RENACENTISTA

• Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la historia.
• Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos reales.
• El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio de los recursos que enseña la perspectiva geométrica recién descubierta y dan la ilusión de profundidad.
• El punto de vista del pintor suele estar en el centro del cuadro. La composición está sometida a esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma simétrica en la distribución de las figuras. 
• En cuanto a los esquemas de composición preferidos, el triangular (con el vértice arriba o invertido) y el rectangular con la división del espacio en segmentos áureos. En algunos casos, los triángulos son dos combinados.
• En general, es una pintura dibujística, que se fundamenta en el poder definidor y expresivo de la línea, y considera el color como un accidente de la materia de importancia secundaria. Las formas se cierran con un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es absoluta.
• Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente.
• A partir del siglo XV, se usará en vez del temple, la técnica del óleo, inventada por los pintores flamencos, que facilitará el desarrollo de la pintura de caballete. 
  
  

  
  Leonardo Da Vinci (1452 – 1519)
  Fue un genio enciclopédico y universal; pintor, escultor, ingeniero, científico, inventor, músico, filosofo, escritor, y se adelanto varios siglos a su tiempo con sus descubrimientos.
  El estimaba en especial, el arte de la pintura y en su "tratado sobre la pintura" escribió que ella es la reina de las artes; sin embargo, su condición de sabio y sus otras tareas no le permitieron dejar muchas obras pictóricas. Tanto mas que procuraba hacerlo todo perfecto y dedicaba largos meses a bocetos y estudios y la misma realización definitiva era lenta. No obstante las pocas obras que dejo terminadas, (unas doce) son todas obras maestras.
  Tal vez el aporte mas importante de Leonardo a la pintura es el llamado "sfumato". Este se basa en el claroscuro aplicado tan delicadamente y difuminado, tan imperceptible, que le da un carácter particular como si la pintura se viera a través de la niebla o de ligerísimo velo.
  A el también se debe la disposición piramidal de las figuras que sera luego imitada por la mayoría de los pintores que le siguieron.
  Algunas de las obras mas famosas de Leonardo Da Vinci fueron:
  La Gioconda o Monna lisa: Es el retrato mas famoso de la tierra y de él, se han escrito innumerables comentarios e interpretaciones.
  Esta pintado al óleo sobre una tabla de madera, sobre la cual se extendió una delgadísima capa de pintura, con tanta maestría que ni aun con rayos X se advierten las huellas del pincel.
  Representa una dama, cuya identidad no ha podido ser determinada, y un paisaje extraño, vaporoso, casi irreal al fondo.
  La expresión del rostro es risueña, pero con una sonrisa enigmática.
  En la composición se observa un ritmo envolvente acentuado por el ovalo del rostro que se repite en la línea formada por la cabellera y las manos.
  -La virgen de las rocas: Los personajes que la integran en primer termino son cuatro: la Virgen, Jesús y san Juan bautista niños, y un ángel.
  El ambiente es una gruta formada por rocas puntiagudas, arbustos y florecillas. En el fondo otras rocas, un lago y montañas el lontanaza.
  La composición es un riguroso juego geométrico, un repetirse de pirámides desde el primer grupo de figuras hasta las rocas lejanas de fondo. La luz es difusa y los contornos, atenuados
  La ultima cena: Es una obra que expresa variedad al mismo tiempo unidad. Variedad de actitudes y expresiones de los apóstoles ante el anuncio de cristo de que uno de ellos lo va a traicionar.
  Unidad de la composición: Los apóstoles están repartidos en grupos de a tres, sin rigidez. Cristo esta en el centro de la composición y las líneas convergentes de la perspectiva llevan la mirada hacia el. La pintura se encuentra muy deteriorada y es casi imposible restaurarla, debido a que es desconocida la técnica nueva que experimento Leonardo para ejecutarla en el muro.

Miguel Ángel

En Florencia, Miguel Ángel cuando niño, fue aprendiz del pintor Ghirlandaio. Antes de ir a Roma, donde se realizara sus obras mas importantes, pinto un medallón redondo con la sagrada Familia.

En roma, el papa Julio II, estimulado por Bramante (quien esperaba un fracaso de Miguel Ángel a quien conocía solo como escultor) le encarga la decoración de la capilla sixtina. Allí Miguel Ángel emprende esa obra descomunal: una de las creaciones más extraordinarias del genero humano.

La capilla es una gran sala rectangular de 40m. de largo, 13 de ancho, y 21 de altura.

Miguel Ángel, completamente solo enfrentándose a mil fatigas pinto en la inmensa bóveda escenas del génesis y otras figuras.

20 años mas tarde, por encargo de otro papa, Paulo II, decora también la pared de fondo de la misma capilla sextina con la impresionante escena del juicio final. En el centro0 de la parte superior esta la figura amenazante de cristo rodeado de santos, mártires, beatos y ángeles. A la derecha los réprobos son arrastrados al infierno y a la izquierda los elegidos suben al cielo.

En la bóveda de la capilla sextina son 343 las figuras, en cuadradas en elementos arquitectónicos fingidos, y el Juicio Final, es toda una muchedumbre de 391 figuras.

En todas estas obras Miguel Ángel, que prefiere la escultura destaca con fuerza el relieve y el volumen. Pone en evidencia la musculatura de las agigantadas figuras, llenas de energía.

El fresco del "Juicio Final" ocupa la pared de fondo de la capilla sextina y mide 13 m. de ancho y 17 m. de alto. Miguel Ángel distribuyo las 391 figuras, en una composición libremente dividida en registros horizontales y líneas de fuerza, que convergen en la mano levantada de Cristo Juez.

Masaccio (1401 – 1428):

Es el primer representante de la corriente realista del renacimiento. Murió joven, a los 27 años; sin embargo, es uno de los pintores que ha tenido mas influencia en la pintura posterior. Logra volumen, profundidad y relieve con la perspectiva y el claroscuro. Sus figuras, que tienen un aspecto casi escultórico, están colocadas en espacio bien definido y en evidente relación con los personajes. Su principal obra, es el conjunto de frescos en la Capilla Brancacci de la iglesia del Carmen de Florencia. Entre ellos, el mas famoso es: "El pago del tributo"

• Beato Angélico (1387 – 1455):

Fue fraile dominico, y después de su muerte fue declarado "Beato" por la santidad de su vida.

Su pintura es de un naturalismo místico. Su dibujo es refinado y tiene un dominio especial del color. Lo que Masaccio obtuvo con el claroscuro él lo obtiene por medio del color. Rosados, azules, nácar, oro, son sus colores preferidos. Sus obras mas importantes están en el convento de San Marcos de Florencia.

• Botticelli (1444 – 1510):

Fue el pintor de los Médicis, los famosos "mecenas" de los artistas de Florencia. En ese ambiente intelectual y entusiasta de la cultura clásica pinta temas de procedencias greco-romana, como ¡"la calumnia", restauración imaginaria de un cuadro del pintor griego Apeles, y temas mitológicos y paganos como "El nacimiento de Venus" y "la primavera. Pero, al mismo tiempo pinta temas religiosos como: "La virgen del Magnificat" y "la adoración de los magos".

Su estilo es inconfundible por el linealismo, el ritmo, gracia y elegancia de sus figuras. El color es liquido, transparente, sin sombras densas.

Hacia el final de su vida, ante las predicaciones del fraile Savonaarola contra el paganismo del Renacimiento, abandona los temas paganos y su pintura se hace dramática y melancólica

• Rafael Sanzio (1483 – 1520)

Según algunos acreditados autores, el arte pictórico se divide en dos fases: antes de Rafael y después de él. Antes no se había logrado esa perfección tan absoluta, después comienza la decadencia.

Sus obras principales, como las de miguel ángel, están en el vaticano, Roma. Antes había trabajado en Umbria su tierra natal y en Florencia. Aquí pudo conocer a Miguel Ángel y a Leonardo. De este último aprende la composición piramidal que aplica en muchas de las Madonnas (vírgenes) que pintó en su período florentino, como "La Bella Jardinera", "La Virgen de la Pradera", "La virgen del Jilguero" y otras.

A los 25 años paso a Roma. El papa Julio II le encarga la decoración de las estancias del vaticano. Son tres alas donde pinta 17 grandes frescos murales. Los más nombrados son: "La Disputa del Santísimo Sacramento" y "La escuela de Atenas".

Son composiciones magistrales, que presentan siempre un conjunto equilibrado, a pesar de la multitud de personajes.

Después de las Estancias, el Papa le encarga las hoy llamadas "Logias de Rafael", unos largos pórticos que decora con escenas de la Biblia.

También sigue con la pintura de las Vírgenes que tanta fama le habían dando en Florencia. De éste período son: "La Virgen de la Silla", "La Virgen de Foligno" y "La Virgen de San Sixto".

De no menor importancia son la serie de retratos que, por sí solos, ya lo acreditarían como gran pintor; como el retrato de Julio II, el de León X, de la Fornarina y varios más.

Su última obra fue "La transfiguración del Señor".

Como cualidades esenciales de este pintor se citan: el don para componer; su magnifico sentido de la agrupación de las figuras; la corrección del dibujo; la distribución armónica de los colores, y la serenidad de estilo. 

Tiziano (1477-1576):

Es el principal pintor de la Escuela Veneciana.

Tiziano tuvo una larga vida y bien aprovechada con respecto a la pintura y abordó todos los temas de manera magistral.

En los temas religiosos se muestra libre y natural. Algunos son cuadros de grandes proporciones como "La presentación de María Santísima al Templo" (8 metros de largo); "La virgen de Pesaro", "La Asunción".

En los temas mitológicos o profanos rinden culto a la belleza de la mujer. "La Venus de Urbino", "Amor Sagrado y Amor Profano", "La Bacanal".

Pintó los retratos de los reyes, papas, y personas importantes de su tiempo: dos retratos de Carlos V (uno a caballo y otro, en un sillón); "Francisco I Rey de Francia"; "Felipe II, Rey de España"; "El Papa Paolo III"; "El Hombre del Guante"; y su autorretrato, cuando tenía 90 años.

 Escultura

La transición de la escultura gótica a la del Renacimiento fue menos brusca que la de la arquitectura; se continúa la búsqueda del naturalismo. Los aspectos nuevos son los propios del Renacimiento. Se muestra un interés especial por el hombre, por la forma de su cuerpo, por su expresión. Se estudia la anatomía, el cuerpo humano como conjunto de huesos y músculos, el desnudo.

Se profundizan y perfeccionan los conocimientos y medios técnicos. Los artistas emplean cualquier material: mármol, piedra, bronce, madera, terracota y con excelentes resultados.

Ya las esculturas no se destinan a completar un marco arquitectónico sino que adquieren interés por sí mismas.

• Miguel Angel Buonarroti (1475-1564).

Es el más grande escultor del Cinquencento y uno de los más grandes escultores de todos los tiempos. Refleja, en su escultura, toda su recia personalidad y su profunda de cristiana. Su estilo es personal y dramático. Gran arquitecto y pintor, sin embargo, se firmaba y protestaba no ser más que escultor.

Miguel Ángel, desde muy joven, frecuentó el jardín del Palacio de los Médicis donde éstos habían reunido estatuas y fragmentos de mármoles antiguos y los jóvenes se ejercitaban en las artes.

A los 20 años va a Roma. De esta época es la "Pietá del Vaticano" en la que la nota trágica está expresada con clásica elegancia y compostura.

Regresa a Florencia y esculpe la gigantesca estatua (5 metros) del "David" en un trozo de mármol abandonado por otro escultor.

El Papa Julio II lo llama a Roma y le encarga la obra que será una ilusión y al mismo tiempo, una tragedia en su vida: "La Tumba del Papa Julio II", que no pudo realizar por completo. Del grandioso proyecto solo acabó enteramente "El moisés", ejemplo típico de la terribilidad de Miguel Ángel.

Para los Médicis, Julián y Lorenzo, ejecuta los "Monumentos Sepulcrales". A los pies de Julián yacen reclinadas dos escultoras alegóricas del "Día" y de la "Noche", y a los pies de Lorenzo "La Aurora" y "El Crepúsculo".

En sus últimos años esculpe otros tres grupos escultóricos de la Pietá, esta vez de expresión atormentada; la "Pietá de Palestrina", la del "Palacio Rondanini" y la de la "Catedral de Florencia". Éstas dos últimas inconclusas.

Lorenzo Ghiberti (1378-1455):

Fue quien introdujo el bajorrelieve pictórico en la escultura que consiste en la disposición de las figuras en diversos planos de perspectiva; y fondos arquitectónicos y paisajísticos. Sus obras más importante fueron: La Puerta Norte del Baptisterio de Florencia y la Puerta Este del mismo Baptisterio. Estas puertas de bronce están divididas en panales con relieves, en los cuales hay escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento. Las del Este son llamadas "Las puertas del Paraíso" quizá por una frase atribuida a Miguel Ángel: "Son tan hermosas que serían apropiadas para la entrada del Paraíso).

• Donatello (1386-1466)

Escultor Florentino. Su principal mérito es el haber sabido unir la grandiosidad del clasicismo con la expresión del naturalismo. Entre sus obras principales se destacan: "San Jorge", "David", "La Cantoría ecuestre de Erasmo Gattamelata" en la plaza de Papua, la primera estatua ecuestre del Renacimiento.